2018 год объявлен годом театра: 2018-й может быть объявлен Годом театра

2019 год объявлен в России Годом театра

13 декабря по всей стране состоялся единый день открытия Года театра в России.
13:58 14.12.2018 Городской округ Нальчик – Нальчик

В Кабардино-Балкарии проходит церемония официального открытия Года театра в России

Сегодня в регионах России — единый день официального открытия Года театра.

В соответствии с Указом Президента РФ 2019 год объявлен Годом театра

Каждый год в России посвящается решению определённой проблемы, и в течение 12 месяцев по всей стране устраиваются тематические мероприятия, посвящённые, к примеру, Году литературы, Году культуры и т.п.
10:23 14.12.2018 Кабардино-Балкарская правда – Нальчик

В Кабардино-Балкарии проходит церемония официального открытия Года театра в России

Сегодня в регионах России – единый день официального открытия Года театра.
00:53 14.12.2018 KbrInfo.Ru – Нальчик

В Кабардино-Балкарии проходит церемония официального открытия Года театра в России

  Сегодня в регионах России – единый день официального открытия Года театра.

Год Театра – Централизованная городская библиотечная система, г.Тюмень

2019 год объявлен Годом театра Указом Президента Российской Федерации от 28 апреля 2018г. №181 «О проведении в Российской Федерации Года театра». Подробно на сайте Министерства культуры Российской Федерации. 

Официальная информация доступна в тематическом разделе на портале «Культура. РФ».

• Инструкция по внесению сведений о мероприятиях в рамках Года театра на портале «Культура.рф» 
• Логотипы Года театра
• Руководство по фирменному стилю 

 «День театра» пройдет 27 марта, он приурочен ко Всемирному дню театра.

Материалы по теме в наших новостях:

25.10.2019. Театральная мастерская «Будем знакомы»
14.10.2019. «Театра мир откроет нам свои кулисы»
04.10.2019. Арт-встреча «Прикоснись сердцем к театру!» 

04.10.2019. Театрализованная экскурсия «Волшебный мир книг детской библиотеки» 
01.10.2019. «Плакать, безумствовать, восторгаться… – актерская профессия такая»
19.09.2019. Мультгид «Прогулки по театру» 
19.09.2019. Библиолекторий «Гамлет. На сцене и в кино» 
17.09.2019. Театральная мастерская «Почитаем – поиграем» в Центральной детской библиотеке  

09.08.2019. «Мамин клуб» научил детей и молодых родителей играть в семейных спектаклях 
22. 07.2019. Беседа «Театр – сказочная страна» 
10.07.2019. В Центре семейного чтения имени А.С.Пушкина продолжается цикл программ «Колесо культуры»  

09.07.2019. Театрализованный экскурс «Жить в любви и согласии» 
04.07.2019. Театрализованная экскурсия в библиотеку 
17.06.2019 Я в артисты пойду, пусть меня научат
08.05.2019. В Библиотеке №18 провели культурно-развлекательную программу «Театр для детей»

23.04.2019. Библионочь состоялась. Библионочь удалась! 
22.04.2019. Всероссийская акция Библионочь-2019 в Центре семейного чтения имени А.С.Пушкина стала по-настоящему семейным праздником 
22.04.2019. «Библионочь» – в Информационно-библиотечном центре для молодежи
18.04.2019. Библиотека познакомила подростков с Гоголем в лицах и мизансценах
17.04.2019. Молодежная площадка Библионочи-2019 
17.04.2019. Тюменская Библионочь по-семейному
17.04.2019. Мультимедийный час «Чехов и театр»
16. 04.2019. «Посумерничать» в библиотеке детям позволит «Библионочь-2019»
03.04.2019. Театр-студия «Лаборатория перемен» порадовал зрителей новым спектаклем «Визит»
01.04.2019. Почувствовать себя актером помогла встреча с режиссером Ириной Гой в Центральной детской библиотеке
01.04.2019. Почувствовать себя актером помогла встреча с режиссером Ириной Гой в Центральной детской библиотеке 
01.04.2019. Веселые занимашки «И сказка с куклой оживает» 

28.03.2019. Показ фильма «Волшебники закулисья» пройдет в Литературно-краеведческом центре 

27.03.2019. Зрителями спектакля «Ермаковы лебеди» стали студенты Тюменского техникума индустрии питания, коммерции и сервиса 

27.03.2019. Ежегодная акция «День театра – 2019» проходит сегодня по всей стране 
26.03.2019. Сказочная инсценировка «Играем русскую сказку!» 
25.03.2019. Мастер-класс Ольги Чусовитиной «Основы актёрского мастерства» 
22.03.2019. В Центральной городской библиотеке провели час искусства «Волшебный мир кулис» 
21. 03.2019. Мультимедийное путешествие «Кукольный театр Сергея Образцова» прошло в Библиотеке №8 имени А.П.Чехова 
20.03.2019. Леонид Окунев «приоткрыл» читателям тайны своего закулисья
15.03.2019. Библиотека №2 имени А.А.Гришина собрала ребят на конкурсную программу «Театр – это МЫ»
06.03.2019. Приглашаем на встречу с Леонидом Окуневым «Моё закулисье…»

22.02.2019. Квест-игра «Театра мир откроет нам свои кулисы…»

20.02.2019. Театральная мастерская «Куклы для «Репки»
14.02.2019. Встреча с Владимиром Орлом 
12.02.2019. Театральная мастерская «Жили-были»  
11.02.2019. Встреча с Владимиром Орлом: «Сцена не терпит слабаков…» 
08.02.2019. Встреча с Викторией Колчановой прошла в Центральной детской библиотеке 
25.01.2019. Арт-выставка «Его величество – ТЕАТР» – в библиотеке №8 имени А.П.Чехова (ул. Северная, 2) 
21.01.2019. В библиотеке №1 открылась книжная выставка «Его величество – ТЕАТР», посвященная Году театра в России 
17. 01.2019. Выставка-вдохновение «Как открыть ребёнку мир Театра?» – в Центральной детской библиотеке
10.01.2019. Арт-выставка «Его величество – ТЕАТР» начала работу в библиотеке №8 имени А.П.Чехова (ул. Северная, 2)
17.12.2018. Творческая встреча с актрисой Ольгой Ивановной Маяновой «Волшебный мир кулис»
14.12.2018. Вчера в Информационно-библиотечном центре для молодежи был полный аншлаг
10.12.2018. Году театра посвящается новая уличная выставка на «Городской» площади 
13.11.2018. Как провести Год театра? Ответ на этот вопрос был найден в Информационно-библиотечном центре для молодежи 

План мероприятий Муниципального автономного учреждения культуры города Тюмени «Централизованная городская библиотечная система» (МАУК «ЦГБС») в рамках проекта «Открытие театрального сезона», реализуемого в Год театра, на 2019 год  

2019 год в России

Дата изменения: 11 ноября  2019 года

«ДЛЯ НАС КАЖДЫЙ ГОД – ЭТО ГОД ТЕАТРА» — Санкт-Петербургский Государственный Молодежный театр на Фонтанке

– Семен Яковлевич, что приготовил зрителям юбилейный сезон? – Трудно прогнозировать, что именно получится в итоге, ведь творчество нельзя спланировать. Вдохновение – это женщина, которая приходит, когда захочет… И все же. Одна из новинок – спектакль по американской пьесе «Звериные истории» Дона Нигро. Это произведение – самое необычное из всех, которые я когда-либо репетировал: оно состоит из 11 полноценных минипьес. По сути, это драматические новеллы, которые заканчиваются весьма неожиданно, порой трагично. Чтобы понять, о чем этот спектакль, представьте себе Луну. В вашем воображении вы увидите только одну ее сторону, которой она обращена к Земле. Но у Луны есть и обратная сторона. Так же и человек: он развернут к людям приятной, даже очаровательной стороной. Но у всех нас есть и невидимая сторона. – А почему пьеса называется «Звериные истории»? – Думаю, драматург хотел показать, что в нас есть как человеческое, так и животное, в частности, эгоистические агрессивные проявления. И в этой честности своя прелесть. На репетициях наши артисты уже много в себе открыли и признали. Загадка в том, готовы ли к этому зрители. Огромное количество людей считают, что все плохое, что есть в жизни, – это у соседа, а у них все отлично. По сути, это спектакль-вызов! Но мы склонны верить в человека и знаем, что он борется со своими демонами. – Какие еще спектакли будут в этом сезоне? – Сейчас мы ставим, по-моему, самую сложную и трагическую пьесу Булгакова «Кабала святош/Мольер», которая стала для автора очень личной. Он видел себя в Мольере, соотносил его судьбу со своей жизнью. Это пьеса о творчестве, о том, какие «духовные деньги» мы за него платим. У нас есть опыт постановки спектаклей по произведениям Булгакова. «Дон Кихот», например. Мы любим его творчество, нам созвучна булгаковская глубина и ирония. В 2015 году сняли замечательный спектакль «Дни Турбиных» – до этого он шел 17 лет. Еще мы репетируем «Женитьбу» Гоголя, «Чайку» Чехова. Кроме того мы поставим пьесу Жана Ануя «Ромео и Жаннетта». Она поднимает интереснейшую тему. Мы привыкли словом «любовь» обозначать просто свои чувства. А великий французский мудрец рассуждает о том, что любить очень трудно, что без умения прощать любовь превращается в муку. Сейчас мы много репетируем. Я хочу, чтобы каждый артист в юбилейном сезоне получил интересную роль. Возможно, сделать всех счастливыми – это решение нереальное, но я попытаюсь. Наши артисты, которых я очень люблю, заслужили это. – Какие качества для актера являются основополагающими? – Любой артист, творческий человек работает своим тем внутренним началом, которое сохранилось с детских лет, – наивным, доверчивым, легко возбудимым. Дети всегда верят в то, что говорят, к тому же у них огромное воображение. Спектакли и литературные произведения получаются, когда их создатель включает чувства. Вспомним Достоевского: он же был как ребенок – ранимый, склонный придумывать. Если во взрослом человеке много от ребенка, то он непременно художник! И пусть такому человеку трудно жить, зато в своем творчестве он король. Говоря о других качествах артиста, вспомню слова великого Олега Борисова. В книге «Без знаков препинания» он ставит талант на второе место, а на первое – сообразительность. Без сообразительности понять и сыграть роль, вжиться в ситуацию просто невозможно. – Вы руководите театром уже почти 30 лет. Есть ли у вас ощущение, что сегодня актуальны другие темы, нежели в момент вашего прихода на должность худрука? – В мире считается, что получившийся спектакль – тот, который сделан не на актуальную тему, а на вечную. Мы всегда занимались вечными темами – любви, творчества, одиночества, предательства, разрушения человека. Ставить спектакли на вечные темы «выгодно», потому что актуальные вопросы интересны только какой-то части зала и то на короткое время. Вечные темы не исчерпаемы, в этом их ценность. Начинающий режиссер часто выбирает себе кумира – человека, на которого хочет равняться. Я уверен, что в Петербурге жил лучший режиссер на свете, который руководил лучшим театром. Я говорю о Георгии Товстоногове и Большом драматическом театре. Это был великий человек, которого я могу сравнить с Толстым в литературе, и он был и остается маяком для меня. БДТ всегда занимался только вечными проблемами, именно этим и привлекал. Человек растет лишь тогда, когда пытается решить высокую неразрешимую проблему и тянется к цели изо всех сил. Артисты БДТ постоянно росли, поэтому труппа в театре была фантастической. – Вы как-то сказали, что невозможно работать в театре, если не ощущаешь призвания. А когда вы сами почувствовали, что театр – это ваше? – Однажды в моей жизни был сложный момент, и я пошел к священнику. И тот произнес удивительные слова: «Вера может уйти, любовь может уйти, но надежда должна остаться». Я очень глубоко понял эти слова. И в частности осознал, что театр должен нести надежду сквозь все жизненные ветра, дожди и снегопады. Он должен удерживать человека в надежде на то, что выход будет даже после жизни. У нас есть спектакли об этом, например, «Наш городок»… Впоследствии мы с этим священником стали друзьями. Он высоко ценит наши спектакли и считает, что они сродни проповедям. И он даже освятил наш театр. Для меня и артистов это было очень важно. В наше время трудно держаться за человека – куда лучше держаться за руку Создателя. – Означает ли это, что церковь меняет свое отношение к актерской профессии, которую она долгое время считала не богоугодной? – Думаю, церковь до конца не приняла актерство и театр, но старается относиться к ним с уважением. Мне как-то в голову пришло, что религия и театр в чем-то схожи: они поднимают душу. Самое ужасное – когда душа «опустила руки». Мне кажется, есть религиозная форма поднятия души – храм, а есть светская – это искусство: театр, кино, музыка, живопись. – Как выглядел бы мир, если бы в нем не было театра? – Все люди дрались бы друг с другом и не понимали сами себя. Задача искусства – поставить зеркало перед человеком. Этим мы и занимаемся. Когда нашего великого режиссера Григория Козинцева спросили, для чего существует искусство, он ответил радикально: «Чтобы не скотели!». – Если пофантазировать, мог бы ваш театр существовать и, соответственно, могли бы вы работать не в Петербурге, а в каком-то другом городе? – Думаю, нет. Уже в период существования театра мне пришлось семь лет работать в Москве. Но я выбрал Петербург, потому что мы с ним очень близки. Например, оба Близнецы по знаку Зодиака: город родился 27 мая, а я – 14 июня (улыбается). В Москве люди занимаются бизнесом, постоянно спешат, стремятся больше заработать. А Петербург другой – не деятельный, а мистический, не суетливый, а медленный, спокойный. Мне это очень нравится, ведь, как сказал Пушкин, «Служенье муз не терпит суеты». – Сложнее ли сегодня привлечь в театр молодых людей, которые черпают информацию в основном в интернете, не расстаются с гаджетами? – Студенчество считается лучшей аудиторией в мире. И мы пока не чувствуем проблем с такой публикой. Да, есть люди, которые полностью уходят в гаджеты, но это уже одержимость – не самое лучшее качество. Кстати, именно за этот грех судили Жанну д’Арк. К счастью, в основном молодежь у нас мудрая. Она понимает, что интернет – это просто игра, и жить только этим нельзя. Я периодически читаю заметки известных, уважаемых людей, и понимаю, что они относятся к гаджетам с осторожностью. Один мудрый человек сказал: «Мы с трудом добивались знания из книг, а они легко добиваются информации из интернета». Этим он подчеркнул, что между знаниями и информацией большая разница. – Вообще зрителей в театре много? – Очень. У театра два здания, и мы одновременно играем по два спектакля. До этого много лет работали в одном здании, и зал был полон. Восемь лет назад появилось еще 500 мест, и они тоже все заняты. Это настоящее чудо! Как тут не поверить в то, что нам помогает кто-то свыше! – Следующий год объявлен Годом театра. Что вы от него ждете? – Если объявляется Год театра, я наивно, по-детски предполагаю, что артистам будут поднимать зарплаты, давать больше денег, чтобы выпускать больше спектаклей – ведь декорации довольно дорогие. Надеюсь, что будут средства и на закупку нового оборудования. В принципе, для нас каждый год – это Год театра. Вряд ли специально в Год театра мы выпустим больше хороших спектаклей – мы и так стараемся постоянно это делать. Но, поскольку это объявлено вслух руководством страны, думаю, что нам смогут оказать большую помощь, чем обычно. Ни один театр в мире не обходится без материального субсидирования.

Red Bull Theatre продолжает чтение «Откровения» 2018–2019 гг. с самой опасной женщиной

Red Bull Theater сегодня объявила актерский состав следующего «Чтения откровения» Кэти Темпельсман «Самая опасная женщина» режиссера Памелы Берлин: Джулия Коффи, Карсон Элрод, Стивен ДеРоса, Эндрю Гарман, Бен Мел, Рэйчел Пикап, Гриффин Шарпс, Дерек Смит, Дэвид Райан Смит и Сара Топхэм. Это состоится в понедельник, 15 апреля, в 19:30 в Театре Люсиль Лортель (улица Кристофера, 121, между улицами Бликер и Хадсон).

Это чтение щедро спонсируется Off Broadway Angels.

«Мидлмарч» был объявлен коллегами-писателями и, не иначе, по результатам всемирного опроса BBC, величайшим британским романом всех времен. Но, возможно, еще более увлекательной является жизнь его создательницы, Мэри Энн Эванс и ее альтер-эго Джорджа Элиота, которая возмутила викторианское общество своими нетрадиционными отношениями с другим Джорджем (Джордж Генри Льюис). Основываясь на письмах и дневниках писателя, Кэти Темпельсман создала для сцены увлекательный «портрет доблестного художника» (New York Times), органично перемежающийся персонажами Джорджа Элиота из таких любимых произведений, как Сайлас Марнер и «История любви» мистера Гилфила.

«Мне было за тридцать, когда я прочитал свой первый роман Джорджа Элиота, и с тех пор я подсел на него. Чем больше я узнавал о писательнице, тем больше меня очаровывали парадоксы ее необыкновенного мира. В 19-м века критики ставили Элиот на один уровень с Шекспиром. И какую жизнь она вела: страстную. Продуктивную. Нетрадиционную. Эта блестящая женщина имела смелость бросить вызов всем ожиданиям от женщин. Она также сделала поразительный личный выбор — и пострадала от последствий. Элиота, она показывает, как гендерные ожидания подавляют рост и надежды как мужчин, так и женщин. настоящий Джордж Элиот. Это момент для Элиота. Повсюду вокруг нас люди, которые чувствуют себя маргинализированными и скрытыми, требуют права быть увиденными и услышанными. И именно так Элиот стремилась радикализировать английский роман, что она и сделала. на самом деле измениться навсегда.

«Если Искусство не расширяет симпатии людей, — писала она, — оно ничего не делает с моральной точки зрения». Элиот создавал героиню за героиней, которые должны бороться с амбициями и желаниями в обществе, которое не только отрицает их, но и активно стремится контролировать женскую сексуальность. Великий парадокс заключается в том, что, живя в изоляции, подвергаясь осуждению и изгнанию из общества, Элиот наконец открыл тайну того, что делает нас людьми. Открывая собственную человечность и сексуальность, она пишет и раскрывает и нашу. Полтора века спустя мы продолжаем решать многие из тех же вопросов: важность женской красоты, определение брака, последствия раскрытия нашей собственной семье того, кто мы есть на самом деле. Спрятался ли Джордж Элиот за ее псевдонимом и покровительством ее гражданского мужа? Или она мудро скрыла свою личность от критического и неумолимого общества? «Самая опасная женщина» рассказывает о фигуре, которую неправильно понимали тогда и сейчас, — о женщине, всю жизнь стремившейся к легитимности, решившей удовлетворить эту потребность на своих условиях», — сказал Темпельсман.0003

В своих произведениях Кэти Темпельсман обращается к скрытым историческим фигурам и событиям. Ее первая пьеса «Самая опасная женщина» была вдохновлена ​​малоизвестной жизнью Джорджа Элиота. Новый сценарий «Одиннадцатый час» основан на партизанском расследовании последнего дня боевых действий во время Первой мировой войны. Кэти получила заказ от NYSCA на разработку одноактного фильма «Как ты это ненавидишь», написанного рифмованными куплетами, в полноценный роман. игра в длину. Она также была финалистом премии Терренса МакНалли за новую пьесу и премии Франчески Примус за драматургию и дважды номинировалась на премию Сьюзен Смит Блэкберн. Ее работы были замечены в Barrington Stage Company, Barrow Group, Бостонском театре драматургов, Echo Theater, Luna Stage, Нью-Йоркском театральном фестивале (предстоящем), Шекспировском театре Нью-Джерси, Stageworks/Hudson, а теперь и Red Bull Theater.

Red Bull Theatre продолжает свою отмеченную премией OBIE серию чтения Revelation Reading Series, предоставляя уникальную возможность услышать редко ставящиеся классические пьесы в исполнении лучших актеров Нью-Йорка.

Театр Red Bull, названный журналом Time Out New York «самым смелым классическим театром города», представляет редкие классические пьесы к динамичной новой жизни для современной публики, сочетая уважение к традициям с современным чувством. Театр Red Bull, названный в честь шумного якобинского театра, который незаконно ставил пьесы в Англии в годы правления пуритан, является домом Нью-Йорка для динамичных постановок великих пьес, выдержавших испытание временем. Используя якобинские пьесы Шекспира и его современников в качестве краеугольного камня, компания также выпускает новые произведения, которые находятся в диалоге с классикой. Дом для художников, ученых и студентов, Театр Red Bull восхищает и задействует интеллект и воображение зрителей и стремится сделать свою работу доступной, разнообразной и гостеприимной для всех. Театр Red Bull верит в силу великих классических историй и пьес, написанных на возвышенном языке, для углубления нашего понимания условий жизни человека, в особую способность живого театра создавать уникальные коллективные впечатления и в неподвластную времени способность классического театра освещать события. нашего времени. Variety согласилась, назвав работу Red Bull «доказательством того, что классический театр все еще может удивлять спустя сотни лет».

С момента своего дебюта в 2003 году, когда состоялась постановка шекспировского «Перикла» с Дэниелом Брейкером в главной роли, театр Red Bull обслуживает искателей приключений, организуя Off-Broadway Productions, Revelation Readings и ежегодный фестиваль коротких новых пьес. Компания также предлагает информационно-просветительские программы, в том числе «Шекспир в школах», привлекающие профессиональных актеров и обучающих художников в классы государственных школ; Bull Sessions, бесплатные обсуждения после игры с ведущими учеными; и мастер-классы по классическому актерскому мастерству под руководством ветеранов театра.

Признанный The New York Times «динамичным продюсером классических пьес» и «самым захватывающим классическим театром Нью-Йорка» по версии Time Out NY, театр Red Bull поставил 17 внебродвейских постановок и более 150 чтений откровений редко видел классику, обслуживая сообщество из более чем 5000 художников и предоставляя качественные художественные программы для аудитории из более чем 65 000 человек. Уникальные программы компании получили признание критиков и были отмечены номинациями и наградами Lortel, Drama Desk, Drama League, Callaway, Off Broadway Alliance и OBIE.

Знаменитая постановка Red Bull Theatre «Белый дьявол» (выбор критиков New York Times!) продолжается в театре Lucille Lortel (121 Christopher Street между Bleecker и Hudson Streets) до 14 апреля.

Для получения билетов и получения дополнительной информации о Чтениях Откровения или любых постановках и программах Red Bull Theater посетите сайт www.redbullheater.com.

Как американский театр преобладал на протяжении всей истории

Несмотря на развитие таких форм развлечения, как кино, телевидение и радио, театр остается важной частью американской индустрии развлечений. Благодаря таким творениям, как «Водевиль», американский театр последовательно изобретал себя заново, чтобы оставаться актуальным в современном развлекательном ландшафте.

Корни американского театра

История американского театра начинается в колониальную эпоху, задолго до того, как Соединенные Штаты сформировались. Привезя репертуар из Англии, который включал такие постановки, как « Гамлет » Шекспира и «Отелло » , первый американский театр был открыт в Палас-Грин в Вильямсбурге, штат Вирджиния, купцом Уильямом Левингстоном в 1716 году. За этим театром вскоре последовало открытие дока. Уличный театр в Чарльстоне, Южная Каролина, 1730 г.

Театр на Док-стрит в Чарльстоне, Южная Каролина, который в настоящее время все еще работает. Перепечатано из Legendary Locals of Charleston Мэри Престон Фостер с любезного разрешения автора (стр. 76, Arcadia Publishing, 2013).

Однако в 18 веке театр в Новом Свете столкнулся с трудностями из-за нескольких факторов. Напряженность между колониями и Великобританией усилилась, и возникли опасения по поводу моральных последствий как игры, так и просмотра пьес. В таких колониях, как Массачусетс или Пенсильвания, были приняты законы, запрещающие постановку и постановку пьес.

Это мнение поддержали многие выдающиеся философы и даже руководящие органы той эпохи. До написания Декларации независимости первый Континентальный конгресс принял Устав, документ, написанный в ответ на британские нетерпимые акты. Статьи частично призывали к «неодобрению и препятствованию [] всякого рода расточительности и распутства, особенно… показов шоу, спектаклей и других дорогостоящих развлечений». По мере того как британское правление и культура подвергались все большей критике в колониях, принципы британского общества, такие как театр, стали вызывать почти отвращение в колониях, которые пытались дистанцироваться от своих правителей. В результате театр осуждался в том же ключе, что и такие пороки, как азартные игры и бои животных.

Джордж Фокс, основатель и лидер квакерской веры, был ярым противником театра в 18 веке. Перепечатано из Talbot County Р. Джерри Кейзера и Барбары Томпсон Льюис (стр. 12, Arcadia Publishing, 2006).

Театр также не одобрялся религиозно, поскольку основные секты колониальной религии (включая пуритан и квакеров) протестовали против развития театра с 17 ^по век. Эти религии считали, что театр может представлять опасность для «бессмертной души», и выступали против христианского Бога. Джордж Фокс, основатель квакерской веры, зашел так далеко, что заявил, что, по его мнению, музыка и сцена «обременяют чистую жизнь и пробуждают тщеславие людей», подразумевая, что, по его мнению, театр делает невозможным для людей вести « чистая жизнь в стремлении к Богу.

В результате этих проблем театр изо всех сил пытался закрепиться в американской культуре до 1800-х годов, когда опасения по поводу нравственности пьес начали утихать. Это не означает, что американское население сразу же приняло актеров и театры с распростертыми объятиями — в начале 19 ^-го -го века актеры часто рассматривались как не более чем обычные проститутки, и хотя зрители наслаждались постановками, актерская карьера не считалась респектабельной. Только в середине 19В ^-м -м веке актеры стали пользоваться уважением в обществе, но в этот момент влиятельные лица (такие как писатели или политики) начали принимать и развлекать актеров, что указывает на их новый социальный статус.

Артист-менестрель начала 20 ^го века. Перепечатано Брюсом Эдвардом Моудеем из Parkesburg для бесплатной библиотеки Паркесбурга (стр. 105, Arcadia Publishing, 2009).

Типы производств в этот период времени сильно различались. В то время как было некоторое развитие чисто «американского» театра с такими пьесами, как «Хижина дяди Тома» и «Окторун»; или «Жизнь в Луизиане», написанная ранними американскими драматургами, шоу менестрелей доминировали как популярная форма развлечения. Шоу менестрелей, состоящее из пародий, высмеивающих людей африканского происхождения, в основном исполнялись белыми актерами с черным лицом. Показы датируются 1830-ми годами, но продолжались до начала 20 ^-го -го века, а последние профессиональные шоу менестрелей проводились около 1910 года. Хотя шоу менестрелей продолжались в неформальной обстановке после 1910-х годов, они впали в немилость, когда Движение за гражданские права начало набирать обороты в середине 20-го ^-го -го века, и в основном прекратились к 1950-м годам.

Водевиль и театр перед Второй мировой войной

К 20 веку шоу менестрелей в основном отошли на второй план в пользу водевиля. Постановки водевиля состояли из нескольких не связанных друг с другом действий, сгруппированных вместе в одной афише, и их популярность начала расти в 1880-х годах. К 19В 2000-х спектакли водевилей включали в себя все, от дрессированных животных до одноактных пьес и фокусников. Многие знаменитости той эпохи начинали свою карьеру на сцене водевиля, в том числе комики Эббот и Костелло, певица Джуди Гарланд и новичок Гарри Гудини.

Гарри Гудини был популярным артистом водевиля 20 ^го века. Перепечатано из New York City Vaudeville Энтони Слайда (стр. 62. Arcadia Publishing, 2006).

Выступления в водевилях продолжались и в 19 веке.30-х годов и оставался популярным вплоть до начала Второй мировой войны. Однако даже после того, как последняя из стадий водевиля была очищена, влияние формы искусства можно было почувствовать в раннем кино, радио и телевидении — кино- и телевизионные комедии часто использовали комедийные тропы водевиля, такие как «использование крючка», чтобы очистить плохой поступок. Некоторые актеры водевиля в конце концов перешли со сцены в кино (например, Джуди Гарланд), хотя другие просто ушли на пенсию. Кроме того, Водевиль непосредственно вдохновил эстрадные шоу 19-го века.50-е и 60-е годы, такие как Шоу Эда Салливана и Час комедии Сонни и Шер .

Традиционный театр также приобрел известность и известность в период между 1900 годом и Второй мировой войной, и театральные деятели достигли статуса, подобного современным кинозвездам, что было ранней формой голливудской знаменитости. Семьи таких актеров, как Бэрриморы, доминировали на театральной сцене (и продолжают доминировать в кино). Кроме того, традиционный театр получил поддержку правительства США в рамках Федерального театрального проекта президента Франклина Д. Рузвельта, который осуществлялся с 1935 – 1939. В рамках проекта, направленного на обеспечение работой актеров, писателей и режиссеров, оставшихся без работы из-за Великой депрессии, за четыре года работы было успешно выпущено 830 крупных фильмов, и в нем было задействовано более 12 000 человек.

Однако успех театра оказался под вопросом с развитием звукового кино на протяжении 1920-х и 30-х годов. По мере того, как кино становилось все более популярной формой развлечения, живые звезды начали изо всех сил пытаться зарабатывать на жизнь, не в силах конкурировать со своими более дешевыми аналогами с серебряного экрана. В результате, в то время как исполнители водевилей и комики в основном не пережили переход в кино (если только они сами не присоединились к кино), на первый план вышли несколько менее распространенные формы сцены, особенно музыкальный театр. Такие произведения, как Show Boat и Anything Goes становились все более популярными, и к 1940-м годам музыкальный театр вступил в так называемый Золотой век, когда на сцене доминировали такие композиторы, как Гершвин и Роджерс и Хаммерштейн.

После Второй мировой войны и современный театр

Десятилетия после Второй мировой войны принесли истинную международную известность американскому театру. Такие постановки, как Горнило Артура Миллера в 1953 году и Трамвай Желание Теннесси Уильямса в 1947 году стал международной сенсацией, а пьеса Уильямса была поставлена ​​на лондонской сцене к 1949 году. Музыкальный театр также сохранил свою популярность после Второй мировой войны и превратился вместе с традиционным театром в более смелые постановки в 50-х и 60-х годах.

По мере развития современного общества музыкальный и драматический театр превратился в театр «повестки дня», особенно во времена Движения за гражданские права. Этот тип театра пытался решить проблемы социальной справедливости той эпохи, и такие музыкальные постановки, как Волосы и Вестсайдская история ссылались на такие темы, как культура наркотиков, расизм и культурные различия. В результате драма исторически стала для драматургов способом решения проблем социальных прав, личного опыта и вынесения собственного суждения об обществе.

Оригинальный бродвейский состав Вестсайдская история , исполняющий «Ну и дела, офицер Крупке». «Вестсайдская история » попыталась устранить опасности расовых и культурных различий. Изображение общественного достояния через Викисклад.

В то время как кино представляло собой большую проблему, театру было еще труднее конкурировать с растущим радио и телевидением. Снова столкнувшись с конкурентами, которые были намного дешевле, чем традиционные шоу, борьба театра усугублялась входным налогом, налогом, применяемым только к предприятиям, которые взимают плату за вход с посетителей (например, парки развлечений, спортивные мероприятия или театр). . В то время как входной налог был введен в 1918 году, он был удвоен в 1943 году. В результате сочетание налогов и сокращение числа посетителей не позволяет театрам получать прибыль даже в наши дни.

Для борьбы с потерей доходов в середине 20 века театр на рубеже 21 века начал в значительной степени заимствовать средства из кино и литературы – такие постановки, как Диснеевский Король Лев , были массово успешным по всей стране, и привели к тому, что другие фильмы были адаптированы для сцены, такие как « Аладдин » Диснея , « Мэри Поппинс » и « Молодой Франкенштейн » Мела Брукса . Кроме того, литература помогла вдохновить композиторов, таких как знаменитый «9» Эндрю Ллойда Уэббера.0039 «Призрак оперы» , который в настоящее время является самым продолжительным шоу в истории Бродвея с момента премьеры в 1986 году. продуманный и дорогой. Популярные современные мюзиклы, такие как « Hamilton » Лин-Мануэля Миранды и « Wicked » Стивена Шварца, оказались успешными у современной публики, а драматические постановки, такие как «» Тони Кушнера. 0039 Ангелы в Америке продолжают решать проблемы социальной справедливости. В стране, пережившей значительные периоды преобразований за свое относительно короткое существование, американский театр остается популярной формой самовыражения благодаря своей способности приспосабливаться к меняющимся временам и тенденциям — изменчивая индустрия, которая приспосабливается к социальной среде, в которой она находится. .

Чтобы узнать больше о популярных театрах в Америке или об истории американского театра, ознакомьтесь с книгами ниже!

У тебя есть любимая пьеса или мюзикл? Дайте нам знать в комментариях ниже!

Коронавирус опустошает Бродвей и его окрестности, оставляя актеров и театры на произвол судьбы — Andscape

Sanctuary City закрылся, не успев открыться.

Драматург Мартина Майок, получившая Пулитцеровскую премию в 2018 году за Стоимость жизни , начала работать в 2017 году над Sanctuary City , пьесой, действие которой происходит в начале 2000-х годов о двух подростках-иммигрантах — одном без документов и одном натурализованном гражданине. Премьера New York Theater Workshop была запланирована на 23 марта, а закрытие спектакля — на 12 апреля.0003

И теперь, как и многие постановки, он был внезапно закрыт, так как распространение COVID-19 внесло изменения в повседневную жизнь в Соединенных Штатах и ​​во всем мире.

В среду вечером мэр Нью-Йорка Билл де Блазио объявил чрезвычайное положение. Бродвейская лига, организация владельцев театров и продюсеров, закрыла все 31 текущую бродвейскую постановку как минимум до 12 апреля. Хотя де Блазио сказал, что шоу с аудиторией менее 500 человек будут разрешены, если они будут работать наполовину. почти все внебродвейские и внебродвейские постановки в городе либо закрылись, либо отложили свои постановки, запланированные на март и апрель. Дохода от полупустых кинотеатров не хватило бы на покрытие операционных расходов.

Нью-йоркские театры и раньше закрывались, но никогда не было такой степени двусмысленности в отношении того, когда они могут открыться. В 2001 году, после терактов 11 сентября, все 23 бродвейских шоу вновь открылись через 48 часов. Тем не менее, актерам, съемочной группе и другим людям нужно было собраться позже в том же месяце, чтобы записать рекламу, призывающую зрителей вернуться.

Это была настолько характерная ситуация, что сериал HBO Хранители пародировал рекламу, призывающую туристов вернуться в Нью-Йорк после нападения инопланетного кальмара, сравнявшего город с землей. В последний раз кинотеатры закрывались из-за пандемии, возможно, в 159 году.2, когда лондонские театры закрылись, когда Черная смерть опустошила Европу. Даже во время пандемии испанского гриппа 1918 года бродвейские театры держали свои двери открытыми, хотя некоторые другие, более мелкие театры были закрыты.

Таким образом, закрытие на этой неделе стало разрушительным событием для внебродвейского сообщества, которое работает в театрах от 100 до 500 мест и часто не имеет страховой защиты, которая могла бы обеспечить подстраховку для более крупных и дорогих бродвейских постановок. Март и апрель также являются лучшим временем для сезона театральных премий, а это означает, что театральные компании закрывали некоторые из своих самых многообещающих работ.

Джасай Чейз-Оуэнс (справа) и Шарлин Крус (слева) сыграли главные роли в постановке New York Theater Workshop Sanctuary City , которая была вынуждена закрыться перед премьерой из-за COVID-19.

Джоан Маркус

Sanctuary City был в этой категории. Успешный показ мог бы изменить жизнь не только его автора, но и британского режиссера Ребекки Фрекнолл, лауреата премии Оливье (лондонская версия «Тони»), которая руководила своим первым спектаклем в Нью-Йорке, и актеров Джасаи Чейз-Оуэнс. , Шарлин Крус и Остин Смит.

Шоу рассказывает о двух подростках, которых играют Чейз-Оуэнс и Круз, которые дружат с третьего класса. У обоих родители запутались в лабиринте американской иммиграционной системы. В 17 лет персонаж Чейза-Оуэнса, имя которого не называется, остается на произвол судьбы в Америке, а его мать, у которой нет документов, возвращается на родину. Смит играет студента юридического факультета, у которого также есть родители-иммигранты. Нью-Йоркская театральная мастерская разрабатывала планы для школьников, особенно для групп из густонаселенного иммигрантами сообщества Вашингтон-Хайтс.

— Это самое сложное, — сказал Круз. «Я хочу, будучи ребенком, посмотреть такое шоу, увидеть себя на сцене, это так дорого. Вот что делает этот сезон еще сложнее».

Related Stories

• Эксперт по общественному здравоохранению говорит, что афроамериканцы подвергаются большему риску смерти от коронавируса
• Последствия коронавируса показывают, насколько мы воспринимаем спорт как должное
• Слезы, вопросы и реальность коронавируса на турнире Atlantic 10
• Си Джей Макколлум все еще будет играть во время приостановленного сезона НБА

В пятницу днем ​​небольшая группа актеров, критиков и друзей собралась в театре Люсиль Лортель в Гринвич-Виллидж для финального представления Sanctuary City , которое было снято с три камеры для архивных целей. В настоящее время нет планов по выпуску отснятого материала.

В Лортеле царило мрачное недоверие. Зрители перетасовывались, чтобы найти места, отмеченные синей малярной лентой — примерно каждое третье место было отмечено, что обеспечивало рекомендуемое социальное дистанцирование в 6 футов, чтобы избежать чихания. Тем не менее артисты скорбно обнимались до и после шоу.

Присутствовали актеры из Нью-Йоркской театральной мастерской, постановка Endlings , еще одного спектакля на темы расы и иммиграции. Так было с школьницами; или «Африканские дрянные девчонки» драматург Джоселин Био, как и актриса Мирирай Ситхоул. Энди Люсьен, актер в Игра братьев и сестер в Театре драматургов Rattlestick, появился, чтобы поддержать своих друзей, прежде чем сообщить о последних двух представлениях своего собственного шоу, одно в пятницу вечером и еще одно в субботу.

«Я помню, как некоторое время назад работал в мастерской этого и просто знал, что это будет фантастически», — сказал Люсьен. «Со всем, что происходит, я просто хотел выйти и показать любовь к закрытию других шоу».

Нависла неопределенность. Пьесы и мюзиклы не похожи на телешоу или фильмы. Когда производство закрывается, особенно до того, как спектакль успеет открыться и получить отзывы, нет никакой гарантии, что он будет перенесен на какое-то время в будущем, потому что театральные сезоны планируются как минимум за год вперед. До COVID-19закрытия, многие театральные компании уже разослали электронные письма, объявляющие о своих сезонах 2020–2021 годов. Обзоры имеют решающее значение для будущих постановок; это часть того, как небольшие театры по всей стране принимают решения о том, что им показывать. Поэтому, когда у шоу даже нет дебюта, по словам Майока, «это почти так, как будто этого не было… это эфемерно».

Драматург Мартина Майок запечатлела момент на сцене заключительного спектакля Sanctuary City в театре Люсиль Лортель в Нью-Йорке.

Джозайя Баниа

В «Лортеле» актеры пытались понять, каким будет их будущее в течение следующих двух месяцев, когда ожидаемая зарплата внезапно испарилась.

«Это было тяжело, особенно для офф-Бродвея и ниже», — сказал Люсьен. «А областные [театры] — это нас немного по-другому поражает. Уже имея более низкую шкалу заработной платы, имея пробеги, которые должны были закончиться в установленные сроки — до 12 апреля, ожидая, что будут поступать какие-то средства. Это могло бы продвинуть их карьеру. Люди должны были видеть работу [Чейз-Оуэнс, Круз и Смит], потому что она впечатляет».

Запасные работы, такие как работа няней, кейтеринг и работа в ресторане, больше не являются легкими запасными вариантами, потому что эти отрасли тоже пострадали от пандемии. Многие родители, которые обычно нуждаются в уходе за детьми, работают из дома. Вечеринки были отменены, а представители общественного здравоохранения посоветовали людям не собираться в общественных местах.

На данный момент вопросов предостаточно. Возможно ли или практично снимать театральные работы и делиться ими в Интернете? Что теряется при переводе с живого исполнения на экран?

Постановка Toni Stone в Сан-Франциско, которая также была вынуждена закрыться, планирует сделать запись шоу доступной для просмотра покупателями билетов, согласно San Francisco Chronicle.

Sanctuary City был написан и создан с мыслью, что его можно будет увидеть вживую. Он поставлен на простой декорации. Почти все происходит на запасной платформе, наклоненной под углом к ​​зрителям. Большая часть его атмосферы и эмоций исходит от вызывающего воспоминания дизайна освещения Изабеллы Берд и от выступлений трех актеров.

Это почти полная противоположность такой пьесе, как Американский сын , которая была поставлена ​​на съемочной площадке, созданной для переноса со сцены на экран. Телепродюсер Шонда Раймс была продюсером шоу, и с самого начала планировалось снять фильм « американский сын ». После показа шоу на Бродвее оно было выпущено на Netflix.

Драматург Янг Джин Ли, чья постановка « We’re Gonna Die » перед закрытием проходила в театре Тони Кисера, поделилась ссылкой на постановку в апреле 2011 года, поставленную в Joe’s Pub, на Vimeo.

https://vimeo.com/160685914 

Шоу PBS Great Performances долгое время выступало в роли посла театра — именно так я впервые был очарован Одрой Макдональд; в детстве я видел ее в Ragtime в гостиной моих родителей в Северной Каролине. Метрополитен-опера, которая также закрылась вместе с Метрополитен-музеем, Нью-Йоркским филармоническим оркестром и Карнеги-холлом, транслирует представления в формате высокой четкости в кинотеатрах по всей Америке, чтобы расширить свое присутствие за пределами Манхэттена. Но кинотеатры тоже стали местами, которых следует избегать в эпоху COVID-19..

Солнечным теплым пятничным вечером, когда в обычном районе кипит толпа зрителей, направляющихся на различные мероприятия и делающих селфи на фоне знаменитого фонтана, Линкольн-центр исполнительских искусств казался не более чем безмолвным призраком. городок.

«В такие времена, когда мы переживаем это, мы возвращаемся в театр», — сказал Круз. «Вот что делает его таким грустным».

Сорайя Надя Макдональд — старший культурный критик Andscape. Она пишет о поп-культуре, моде, искусстве и литературе. Она является лауреатом премии Джорджа Джин Натана 2020 года за драматическую критику, финалисткой Пулитцеровской премии 2020 года в области критики и занявшей второе место в 2019 году. Медаль Вернона Джарретта за выдающийся репортаж о жизни чернокожих.

DPAC празднует успешный сезон 18/19 с рекордной посещаемостью и аншлагами

Опубликовано 2 июля 2019 г.

Место проведения уже одиннадцатый год остается признанным на национальном уровне театром!

ДАРЕМ, Северная Каролина. С рекордно высокой посещаемостью в 536 710 гостей и рекордными 163 аншлагами DPAC (Durham Performing Arts Center) отпраздновал окончание очень успешного сезона 2018/2019.

В 11-й сезон работы DPAC под руководством Nederlander и PFM театр провел 240 мероприятий и распродал 163 спектакля, что является лучшим показателем за один сезон. DPAC также добился рекордного уровня посещаемости в одиннадцатом сезоне: в среднем 2249 гостей посещали каждое выступление.

В то время как издания и организации Triangle постоянно оценивают DPAC как лучшее место для живых выступлений в регионе, театр также был отмечен на национальном уровне как одно из самых посещаемых мест в стране.

В октябре 2018 года Международная ассоциация покупателей развлечений (IEBA), ведущая торговая организация профессионалов индустрии развлечений, назвала DPAC Театром года 2018 года. DPAC в своей первой номинации IEBA получил награду от престижных центров исполнительских искусств по всей стране, включая The Anthem в Вашингтоне, округ Колумбия; Театр Бикон в Нью-Йорке; Театр Microsoft в Лос-Анджелесе; и Чикагский театр в Чикаго.

Этой осенью DPAC также получил награду «Привлекательность года для посетителей Северной Каролины» от Ассоциации туристической индустрии Северной Каролины (NCTIA).

За только что завершившийся 12-месячный сезон DPAC (1 июля 2018 г. — 30 июня 2019 г.) DPAC занимает четвертое место среди кинотеатров по данным национального журнала индустрии развлечений Pollstar. В этой пятерке лучших мест DPAC, рассчитанный на 2712 мест, находится в одной из эксклюзивных компаний и среди гораздо более крупных театров на основных рынках, включая Radio City Music Hall, Нью-Йорк, штат Нью-Йорк (вместимость: 6015), Fox Theater, Атланта, Джорджия. (вместимость: 4665 человек), Fox Theater, Детройт, штат Мичиган (вместимость: 5174 человека) и Гражданская аудитория Билла Грэма в Сан-Франциско, Калифорния (вместимость: 8500 человек).

Боб Клаус, генеральный менеджер DPAC, сказал: «Для команды DPAC наша миссия неизменна с 2008 года: мы хотим быть нашим любимым местом для живых выступлений наших гостей. В этом году я больше, чем когда-либо, благодарен за невероятные шоу, которые у нас есть, и за многих гостей, которых мы имеем честь обслуживать. ”

DPAC демонстрирует приверженность программам взаимодействия с общественностью

В дополнение к представлению стольких успешных шоу суперзвезд и национальных гастролей, DPAC принял участие в широком спектре мероприятий по взаимодействию с общественностью в прошлом сезоне, включая:

• Пожертвование сотен билетов местным некоммерческим и благотворительным организациям по сбору средств, таким как TROSA, Государственные школы Дарема, Служба экстренного реагирования Дарема и программа Университета Дьюка «Делать добро по соседству».
• Координация образовательных семинаров с участием актеров и съемочных групп гастрольных бродвейских постановок. Эти специально организованные семинары дали местным учащимся государственных школ Дарема, в том числе средней школы CE Jordan, средней школы Риверсайд, Северной средней школы и Школы искусств Дарема, а также художественных организаций Дарема, таких как Kidznotes, возможность работать непосредственно с гастролями на Бродвее. профессионалы.
• Приближение искусства к местным студентам и пожилым людям. Самая особенная программа пожертвований билетов DPAC, Discover Broadway , соединяет пожертвованные билеты от участников сезона с малоимущими учащимися государственной школы Дарема и их родителями, позволяя им увидеть свое первое в истории бродвейское выступление. Эта программа показала поразительный 60-процентный рост в этом году. Кроме того, Золотой билет DPAC предлагал билеты пожилым людям, проживающим в государственных жилых комплексах Дарема.
• Представление Triangle Rising Stars , регионального квалификационного конкурса, который является частью National High School Musical Theatre Awards . Отмечая свой девятый год в DPAC, в этой программе приняли участие 38 школ в Треугольнике и прилегающих районах, включая среднюю школу Чапел-Хилл, среднюю школу Heritage, среднюю школу Hillside, среднюю школу CE Jordan и среднюю школу William G. Enloe. В этом году церемонию провел специальный неожиданный гость, Клэй Эйкен, и местным победителям были вручены стипендии на сумму более 6000 долларов.
• Представляем новейшую программу DPAC по взаимодействию с местной молодежью, Послы исполнительских искусств DPAC . Эта новая программа отбирает 20 учащихся средней школы Дарема, которые будут служить послами в течение сезона DPAC. Эти студенты получают возможность работать волонтером, посещать шоу и сообщать о своем опыте в блоге на веб-сайте DPAC, а также иметь закулисный доступ для участия в эксклюзивных встречах и приветствиях, интервью с гастрольными шоу, слежке за работой и многое другое.
• Начало новой инициативы, DPAC For All , которая предлагает билеты на балконы с большой скидкой на бродвейские мероприятия всего за 20 долларов США, доступные исключительно для жителей Дарема. Эта программа предоставляет театральные представления жителям Дарема, которые в противном случае не смогли бы посещать бродвейские представления. В этом сезоне более 5000 мест были предоставлены со скидкой от 23% до 65% и предоставлены жителям Дарема.

В этом сезоне DPAC продемонстрировал свой статус центра живых развлечений, организовав бродвейские блокбастеры, концерты и комедийные мероприятия. Новаторский бродвейский хит «Гамильтон» возглавил список самых посещаемых бродвейских шоу DPAC в этом сезоне. Дорогой Эван Хансен, объявленный «одним из самых замечательных спектаклей в истории музыкального театра», занял второе место, за ним последовал классический шедевр Эндрю Ллойда Уэббера «КОШКИ».

Top Five Shows – Suntrust Broadway на DPAC 2018/2019 *

1. Гамильтон

2. Уважаемый Эван Хансен

3. Кошки

4. Мисс Сайгон

5. Анастасия
* июль 1, 2018 – 30 июня 2019 г.

Наряду с рекордным количеством аншлагов на бродвейские шоу DPAC, в этом месте также было зафиксировано рекордное количество аншлагов – 58 билетов на концерты, комедии и специальные мероприятия.

В этом сезоне DPAC представил в общей сложности 240 мероприятий, включая концерты, комедийные шоу и специальные мероприятия. Американская джем-группа Widespread Panic стала самой продаваемой концертной группой, проведя в марте прошлого года в DPAC рекордное трехдневное мероприятие. Затем последовала легенда гитары Джо Бонамасса, который выступил на DPAC в пятый раз с 2010 года. Магия музыкального праздника Mannheim Steamroller завершила список лучших концертов этого сезона.

Комик Азиз Ансари возглавил исключительный сезон комедий на DPAC, в котором участвовали Али Вонг, Непрактичные Джокеры и легендарная Кэрол Бернетт. Самые продаваемые специальные мероприятия включали в себя разнообразные шоу, в том числе прощальный игровой тур Тайлера Перри Мадеи, Paw Patrol и Sesame Street Live.

Пятнадцать лучших концертных событий – 2018/2019 Сезон*

1. Повсеместная паника

2. Джо Бонамасса

3. Mannheim Steamroller

4. Боб Дилан

5. Джилл Скотт: Live in the Moment Tour

6. Чикаго

7. Фрэнки Валли

8. Джексон Браун

9. Тони Брэкстон

RMby:

RM: , Ricky & Mike

11. Ребята -пианино

12. Styx

13. Кельтская женщина

14. Джоан Баэс

15. Гэри Кларк младший
*1 июля 2018 г. – 30 июня 2019 г.

Пять лучших комедийных событий сезона 2018/2019*

1. Aziz Ansari

2. Али Вонг

3. Непрактичные Jokers

4. Кэрол Бернетт

5. Билл Махер

*1 июля 2018 г. – 30 июня 2019 г.

Топ -пять специальных мероприятий 2018// Сезон 2019 года *

1. Madea’s Farewell Play Tour

2. PAW Patrol

3. Sesame Street Live

4. Wild Kratts Live 2,0

5. Дерек Хаф

* 1 июля 2018 г. – 30 июня. 2019

Рэйчел Траверсари, старший директор по маркетингу, сказала: «От имени всего персонала DPAC мы хотели бы поблагодарить наших гостей за то, что они разделили с нами еще один невероятный сезон. Для нас большая честь быть постоянно признанным центром живых развлечений в Треугольнике, и мы продолжим усердно работать, чтобы предоставить нашим гостям программы самого высокого качества для Бродвея, концертов, комедий и специальных мероприятий».

О DPAC С момента своего открытия в 2008 году DPAC (Центр исполнительских искусств Дарема) стал центром живых развлечений в Северной Каролине. Признанный своим современным дизайном, DPAC имеет 2700 мест, уединенный обзор и ультрасовременные звук и видео. DPAC ежегодно входит в десятку лучших театров Америки по версии трех ведущих национальных журналов, освещающих развлекательные мероприятия и площадки, и ежегодно привлекает более 500 000 гостей на свои более чем 200 мероприятий.

Выполняя уникальные развлекательные мероприятия, DPAC действительно предлагает «что-то для каждого», организуя более 200 выступлений в год, в том числе впечатляющие гастрольные бродвейские постановки, громкие концерты и комедийные мероприятия. , семейные шоу и знаменитый Американский танцевальный фестиваль. С 2011 года DPAC принадлежит городу Дарем и управляется под руководством Nederlander and Professional Facility Management (PFM). Согласно журналу Triangle Business Journal, организация исполнительского искусства №1 в регионе. Для получения дополнительной информации перейдите на сайт www.DPACnc.com.

Подписка на информационный бюллетень

Подпишитесь на нашу новостную рассылку, чтобы узнавать больше о событиях Палаты, новостях сообщества и наших местных компаниях.

Театр под открытым небом Прошлые постановки

LIZASTRATA
9 сентября – 2 октября 2021 г.
В этом веселом музыкальном пересказе одного из величайших театральных постановок в истории Лизастрата берет на себя управление, штурмует Акрополь в заложниках, пока давно воюющие люди Афин и Спарты не объявят мир. Ее стратегия? Все женщины объявляют секс-забастовку. Под аккомпанемент лучших хитов Лайзы Миннелли талантливые тройные угрозы Troubie исполняют песни и танцуют в восхитительно дерзкой шумной игре. Ни один блесток не будет пощажен! Узнать больше…

Исцеление
5 сентября – 28 сентября 2019 г.
Смелая новая версия вечной истории Софокла о боли и исцелении. Раненый Филоктет (Фил) годами страдал в одиночестве на необитаемом острове, застряв там Одиссей. Но теперь Одиссею нужно волшебное оружие Фила, чтобы выиграть Троянскую войну, и он вербует дочь Ахилла Нию, чтобы помочь заключить мир. Режиссер/адаптер Аарон Познер создает непочтительное, духовное, музыкальное исследование о ранах, которые мы носим, ​​о тех, которые мы наносим, ​​и об искупительной силе человеческой связи. С музыкой Клиффа Эберхардта и сопродюсером театра Round House в Мэриленде. Учить больше…

Вакханки
6 сентября – 29 сентября 2018 г.
Наполненный яркими сценами, неистовыми эмоциями и хоровыми песнями великой силы и красоты, Вакханки до сих пор остается одним из величайших сохранившихся произведений Еврипида. Дионис, бог вина, ритуального безумия, плодородия и театра, переодетым прибывает на место своего рождения в Греции. В отместку за личное оскорбление он начинает распространять свой культ среди жителей Фив. Царь Пенфей, опасаясь последовавшего за этим беспорядка, заключает его в тюрьму. Эта ошибочная попытка помешать божественной воле ведет к катастрофе. Учить больше…

Ифигения в Авлиде
7 сентября – 30 сентября 2017 г.
Пока греческая армия бездействует на безмолвных берегах Авлиды, царю Агамемнону предстоит принять мучительное решение. В обмен на ветры, которые несут его армию к победе над Троей, богиня Артемида потребовала невозможного: принесения в жертву собственной дочери царя Ифигении. Учить больше…

Вечеринка в доме с привидениями, римская комедия
1 сентября — 1 октября 2016 г.
Вечеринка в доме с привидениями — веселая римская комедия, основанная на романе Плавта « Мостеллария », которая в наши дни была бы уместна в качестве сюжета телевизионного ситкома: когда большого папочки Теопропида нет, играть будет его сын Филолах! Влюбленный юноша занял крупную сумму денег у мошенника, чтобы купить свободу рабыни. Когда Теопропид возвращается раньше, чем ожидалось, его раб Транио вынужден участвовать в каком-то хитроумном замысле, чтобы спасти положение. Учить больше…

Mojada: Medea в Лос -Анджелесе
3 сентября – 3 октября 2015 г.
от Macarthur Fellow Fellow Fellow и Proticle Authress of Electricidad и Oedipus , Luis Alfaro’s Mojada’s . 404040404040404040404040404040404040404040404040404040404040404040404040404040404040404040404040404040404040. Медея перевезена в Восточный Лос-Анджелес. В эпическом путешествии через границу Медея, швея с необычайным мастерством, бежит из прошлого, полного предательств. Борьба нашей легендарной героини за адаптацию с мужем Хейсоном и их сыном принимает катастрофический оборот, когда в Городе ангелов встречаются старый и новый миры. Захватывающий современный взгляд Альфаро на древнегреческий миф затрагивает сложности семьи, традиций, культуры и взрывной момент, когда все они сталкиваются. Учить больше…

«Персы»
4–27 сентября 2014 г.
Нью-Йоркская компания SITI, один из ведущих театральных коллективов Америки, вернулась на виллу Гетти, чтобы представить «Персов» — эмоциональную историю о войне, победе и утрате воображаемым персидским двором. В этой единственной сохранившейся греческой трагедии об историческом событии — битве при Саламине в 480 г. до н. э. — Эсхил прославляет афинских победителей, но также очеловечивает побежденных персов, подчеркивая всеобщее влияние войны на семью и общество. Учить больше…

Прикованный Прометей
5 сентября – 28 сентября 2013 г.
Титан Прометей украл огонь с горы Олимп, породив человеческую цивилизацию, и обречен Зевсом провести вечность прикованным к вершине горы, где он борется против все несправедливости в мире – в высшей степени новаторская постановка точного нового перевода в Театре под открытым небом на вилле Гетти. Подробнее…

Еврипида Елена
6–29 сентября, 2012
В этой беззаботной и редко исполняемой пьесе Еврипид переосмысливает Елену Троянскую в зрелом возрасте и превращает ее в комическую героиню, борющуюся за возвращение своего мужа, своего трона и своего вечного доброго имени. Подробнее…

Троянские женщины (по Еврипиду)
8 сентября – 1 октября 2011 г.
Компания СИТИ, один из ведущих театральных коллективов страны, провела мировую премьеру новой постановки, поставленной по заказу Гетти в постановке Энн Богарт и адаптирована Джоселин Кларк. В руинах своего горящего города царственные женщины Трои, все еще оплакивающие резню своих мужей и сыновей, ждут порабощения и изгнания. Среди величайших антивоенных драм эта пьеса представляет собой вневременное размышление о моментах индивидуального выбора, разделяющих смерть и жизнь, отчаяние и надежду, будущее и прошлое. Узнать больше…

Софокла Электра
9 сентября – 2 октября 2010 г.
Это была мировая премьера недавно заказанного перевода знаменитым драматургом Тимберлейком Вертенбейкером Софокла Электра , который прославляет стремление человека к справедливости и цену ее стремления к справедливости. возлагается на тех, кто ищет его. Аргосская принцесса Электра стала свидетельницей убийства своего отца (царя Агамемнона) мстительной матерью (Клитемнестрой). Она живет ради того дня, когда сможет отомстить за эту резню. В течение многих лет Электра томится и молится, заключенная во дворце своего отца, возлагая все свои надежды на возвращение своего младшего брата Ореста. Наконец наступает день: правосудие восторжествовало. В этой работе Софокл демонстрирует важность осторожности в отношении того, о чем мы молимся. Режиссер Кэри Перлофф, художественный руководитель Американского театра консерватории в Сан-Франциско. Узнать больше…

Аристофана Мир
10 сентября — 3 октября 2009 г.
Комические герои «Culture Clash» — самой известной в стране труппы чикано-латиноамериканцев — и приглашенный режиссер Билл Раух обратился к революционному духу Аристофана, свободно адаптировав его сумасбродная и дальновидная утопическая авантюра Peace для Классического театра под открытым небом на вилле Гетти. Высоко на горе Олимп людоед Война заключил в тюрьму богиню Мира и властвует над всей Грецией; в то время как на Земле внизу небольшая группа деревенских патриотов вынашивает дерзкий заговор, чтобы организовать ее спасение и восстановить мир на земле. Узнать больше…

Агамемнон
4–27 сентября 2008 г.
Эта постановка известного режиссера Стивена Уодсворта с Тайном Дейли и Делроем Линдо в главных ролях воскресила тревожную семейную драму Эсхила о доме Атрея, услышанную в позднем захватывающем переводе Роберта Фэгла. . В Агамемнон победоносный Агамемнон прибывает домой со своими уцелевшими войсками после кровавой битвы за Трою. По мере того, как разворачивается драма, возвращающийся солдат становится свидетелем немыслимой бойни, город ставит под сомнение мудрость десятилетней войны, а семья обращает жестокость войны на себя. Узнать больше…

Перетягивание каната
6–29 сентября 2007 г.
Режиссер Мерил Фридман привнесла на сцену непристойность и аморальное поведение в этой театральной постановке с музыкой, адаптированной из оригинального перевода Эми Ричлин римской комедии Rudens автора Плавт. После того, как сильный шторм обрушивается на небольшую прибрежную деревню, старик ищет свою потерянную дочь, две женщины с сомнительной репутацией ищут лучшего положения, а два нахальных, но находчивых раба управляют всем делом. Узнать больше…

Ипполит
7–30 сентября 2006 г.
Отмеченный наградами драматург и театральный режиссер Стивен Сакс представил новую захватывающую адаптацию вневременной драмы Еврипида на основе нового перевода известного поэта и классика Анны Карсон. Впервые исполненный в 428 г. до н.э., «Ипполит » представляет собой психологически сложный шедевр древнего афинского драматурга Еврипида (480–406 гг. до н.э.). В нем рассказывается миф о всепоглощающей, обреченной любви царицы Федры к своему пасынку Ипполиту. Подобно тому, как человек представляет собой хрупкое равновесие тела и духа, четыре центральных персонажа «Ипполита» запутались в узле противоположностей — святого и нездорового, чувственного и духовного, эротического и вечного, желания и божественного. Опасные отношения между человеком и богом также ярко оживают. Узнать больше…

Баннерное изображение: © Ричард Росс, 2005 г. с разрешения Фонда Дж. Пола Гетти

Страсть и присутствие: Мария Ирэн Форнес, 1930–2018 гг. ретроспективный сезон ее работы в нью-йоркском Signature Theater, она задалась вопросом: «Я единственная выжившая?» В то время она считала себя последним оставшимся пионером Off-Off-Broadway, который все еще регулярно писал для сцены, и, безусловно, единственным, кто, не имея подушки личного богатства, не ушел в кино, телевидение или коммерческий театр.

К тому моменту Форнес выиграла восемь из девяти возможных премий Оби за драматургию и режиссуру и уже несколько десятилетий преподавала, имея среди своих множество обожающих (и успешных) учеников Луиса Альфаро, Мигдалии. Круз, Холли Хьюз, Дэвид Генри Хван, Эдуардо Мачадо, Каридад Свич и Кармелита Тропикана. Тони Кушнер однажды заявил, что «Америка не произвела на свет более значимого драматурга»; Паула Фогель, что «В творчестве каждого американского драматурга конца XX века есть только два этапа: до того, как она прочла Марию Ирэн Форнес, и после».

Но вскоре после того интервью Форнес обнаружила болезнь Альцгеймера, которая остановила ее продуктивность, а затем и вовсе остановила. В течение года она написала последнюю из своих пьес и последние десять лет, вплоть до своей смерти 30 октября, жила в интернатах. Театральные деятели и друзья сплотились вокруг Форнес, у которой не было ни партнера, ни детей, чтобы оказать ей заслуженную поддержку, слишком хорошо понимая, почему некоммерческие артисты долгое время были иконами прекариата гиг-экономики.

Они также помогли спровоцировать захватывающий всплеск возобновившегося интереса к творчеству и наследию Форнес — новые постановки ее пьес, двухлетний «Институт Форнес» (часть Latinx Theater Commons), 12-часовой марафон постановочных чтений, которые состоялась в Общественном театре в августе, и, что не менее важно, изысканный документальный портрет Форнеса, снятый начинающим режиссером Мишель Мемран, The Rest I Make Up . ² (Название происходит от одной из песен в Promenade , причудливый мюзикл Форнеса 1965 года, созданный с композитором Элом Карминесом: «Я знаю все. Половину я действительно знаю. Остальное я придумываю».

В одной из многих захватывающих сцен в Остальное, которое я придумываю , Форнес стоит на углу возле своей квартиры на Шеридан-сквер и молча смотрит вдаль, на проносящиеся мимо машины. Она только что столкнулась с двумя своими коллегами по театру в центре города — драматургами Джоном Гуаре и Констанс Конгдон, — которые затем поспешили разойтись, оставив Форнеса в недоумении. «Вещи, которые мы принимаем как должное», — говорит она в своей типично радостной интонации, когда голос Мемрана за кадром спрашивает ее, о чем она думает. «Мы видим друг друга две секунды — очень приятная пара секунд — здороваемся, а потом прощаемся, прощаемся, и на этом все заканчивается».

Конечно, это конец встречи, но не только это. Как это часто бывает в фильме — и в пьесах Форнеса — этот короткий эпизод сжимает богатые тематические пласты в единый сверкающий момент. В одно мгновение мы чувствуем, как Форнес сталкивается со многими концами: угасание контркультуры, которая полвека назад дала жизнь ранним пьесам этих писателей в этом самом районе; угасание Гринвич-Виллидж, гостеприимного и даже определяемого художниками, которые создали там богатое сообщество; Личное прошлое Форнес исчезает, потому что, в конце концов, прошлое именно это и делает, и еще больше потому, что в свои 70 лет она теряет память из-за болезни Альцгеймера.

Но тут мало пафоса. Как и в ее пьесах, необузданное любопытство Форнес всегда вытесняет сентиментальность — она скорее обдумает странность новой ситуации, чем вызовет жалость, — и Мемран, моложе ее примерно на 45 лет, показывает, насколько очаровательным остается мировоззрение Форнес, пока они путешествуют в нежная дружба за десятилетие съемок.

В более чем 40 работах в разных стилях, написанных между 1961 и 2000 годами, Форнес изобрел новые формы для исследования страсти, жестокости, доброты, творчества, горя, любви и стойкости.

The Rest I Make Up был распродан в течение недели в Музее современного искусства в Нью-Йорке в конце августа, а месяц спустя он выиграл как лучший документальный фильм (приз жюри), так и награду AARP Illinois Silver. Премия Image Award на кинофестивале Reeling Chicago LGBTQ+ Film Festival. После показа в Бостоне, Корал-Гейблс, Питтсбурге, Индианаполисе и других местах за последние пару месяцев его скоро покажут в Портленде и Буффало. В то время как фильм не вздрагивает от печали упадка Форнес — мы видим, как она радостно навещает своего брата и его семью в ее родном городе Гаване, а затем, сразу после поездки, мы видим ее в Майами, ошеломленную, узнав, что она только что провел две недели на Кубе — тем не менее, он оставляет зрителя в приподнятом настроении, погружая нас в творческую ауру живого, непоколебимого воображения, где фантазия дает глубокое понимание, а фактическая прямота вызывает бурные эмоции.

Именно эти качества сделали Форнеса таким великим драматургом, режиссером и учителем драматургии. В произведениях разного стиля, написанных между 1961 и 2000 годами — их более 40 — она изобрела новые формы, чтобы исследовать страсть, жестокость, доброту, творчество, горе, любовь и стойкость, а также трагическое и веселое упрямство человека. вложения. Она всегда писала, руководствуясь видением работы в спектакле, даже имея в виду конкретных актеров, и обычно руководила премьерами своих пьес. В юности она увлекалась живописью (учась у раннего абстрактного экспрессиониста Ганса Хоффмана) и, подобно ювелиру, вставляющему драгоценные камни, встраивала в свои пьесы четкие, неизгладимые сценические композиции.

Хотя Форнес писала по-английски — она приехала в США в возрасте 15 лет, в 1945 году, — она приписывала своему двуязычию язык своих пьес, который она однажды назвала в интервью Марии М. Дельгадо «необычным». центральное качество, которое не совсем преднамеренно, но которое я не пытался изменить, потому что я знаю, что его происхождение лежит в темпераменте и языке моего рождения».

Трудно охарактеризовать пьесы Форнеса в целом, не исказив их. Подчеркнуть резкость, стаккато визуальных образов и прямоту диалога в ее шедеврах XIX века.80-е — своего рода лирический формализм — несправедливо пренебрегать более комическими, фантастическими пьесами или водевилями, или мюзиклами, или эпосами.

«У моей работы нет подписи, — сказала она мне в 1999 году. — Это больше похоже на растение с корнями, стволом и множеством ветвей. У него есть это. Все проходит через центр и проявляется по-разному». Еще в 1986 году критик Росс Ветцстеон предположил (в захватывающем профиле Форнеса Village Voice ), что именно из-за этого непрерывного экспериментирования и отсутствия фиксированного стиля Форнес не привлек внимание «случайного театрала». и обывательский критик» и известность, которую могло принести их отношение. К тому времени, когда они поймают ее, написал он, «она уже ушла».

Нельзя было и мечтать о более воодушевляющем свидетельстве постоянного исследования Форнесом театральной формы, чем 12-часовой марафон постановочных чтений пьес Форнеса, который привел в восторг пару сотен зрителей 27 августа в Общественном театре — около 50 из которых остались на все мероприятие, я подсчитал, когда, когда часы приближались к полуночи, музыкальный руководитель мероприятия, Натан Коци, попросил нас поднять руки. В этот день, поставленный режиссером Джоанн Акалайтис, было представлено 18 спектаклей, полностью или частично, в исполнении некоторых из самых прославленных актеров центра города (всего около 60 актеров). Все началось с абсурдистской комической лекции Dr. Kheal (1968) и заканчивался полноценными номерами от Promenade .

Больше всего меня поразило напряжение глубокой политической озабоченности, пронизывающей пьесы, особенно с учетом того, что Форнес всегда отрицал любую связь с этим словом, поскольку оно обычно применяется к искусству. В то время как она смело участвовала в дискуссиях о квир-писательстве, никогда не стеснялась называть себя феминисткой, получала удовольствие от своей кубинской принадлежности и посвятила себя наставничеству двух поколений латиноамериканских драматургов (среди прочих), Форнес отказывалась навешивать на нее какие-либо идентификационные или идеологические ярлыки. Работа. Она чувствовала, что они предполагают узкое, даже априорное прочтение пьес — определенное до того, как произведение было прочувствовано, — и, что еще хуже, противоречило бессамостности, лежащей в основе ее процесса. «Творчество не может иметь никаких ограничений или указаний», — сказала она мне. «Это похоже на сны. Если ты скажешь, что хочешь мечтать о том или ином, это не выйдет».

Тем не менее, из глубин ее бессознательного воображения вырвалось то, чему она учила, как получить доступ к этому таинственному источнику, — это близость к уязвимым. Зачастую совершенно очевидно, что женоненавистничество, или бедность, или и то, и другое создают невыносимые обстоятельства для ее персонажей, но в ее работах слишком много нежности, а часто и капризов, чтобы они соответствовали какой-либо доктрине или программе.

Марафон представил, например, удивительно трогательную работу 1967 года, Вьетнамская свадьба . Написанный для недельной акции протеста против американской войны во Вьетнаме под названием «Неделя гневных искусств», я осмелюсь предположить, что это был единственный материал, не связанный с гневом. Просто и с любовью четыре «читателя» должны рассказать вьетнамскую народную сказку о любви и объяснить элементы и процедуры традиционной вьетнамской церемонии бракосочетания. Тем временем читатели вытягивают людей из зала, чтобы они молча разыгрывали роли и обряды, которые они описывают; остальные из нас становятся гостями на свадьбе. В результате получается потрясающее упражнение в эмпатии и дистанции.

Работы Форнеса всегда вызывали обостренное ощущение театрального настоящего, ощущение того, что он добровольно подвешен в пространстве за пределами земного времени.

Дунай (1982), еще одна пьеса, полностью представленная на марафоне, также напоминает о влиянии мирского насилия на мирское. Как это часто бывает, Форнес вдохновлялась найденными предметами, в данном случае 78 пластинками, которые она купила в комиссионном магазине, с уроками венгерского языка. Простая история любви разыгрывается между американцем в Будапеште в 1938 лет и местная женщина, которую он встречает. Небрежные инструкции из языковых записей направляют их диалог — они повторяют его простые шутки с параллельным отсутствием интонации — по мере развития их романа. Между тем их тошнит от чего-то загадочного: то персонажи заболевают кашлем, то слабеют, то надевают противогазы, то в образе марионеток собираются, чтобы бежать. Сам язык распадается.

Когда я впервые увидел эту пьесу в постановке Форнеса 35 лет назад, она косвенно напомнила о ставках ядерной атаки поверх ползучего фашизма в ее декорациях. Сегодня это переместило мое ковыляющее отчаяние по поводу разрушения климата и нашего собственного ползучего фашизма в другое, незнакомое эмоциональное пространство, которое я до сих пор не могу назвать, но которое продуктивно более открыто, хотя и сыро.

Итак, я могу рассказать о непреходящем влиянии в тот день марафона революционной книги Fefu and Her Friends (1977), которую Форнес с гордостью назвала «бессюжетной», потому что, как она однажды сказала критику и издателю Бонни Марранка, он «не имеет дело с механикой практического устройства жизни, а имеет дело с механикой разума, своего рода духовным выживанием, процессом мышления». Или о том, как меняется прошедшее и настоящее время, английский и испанский языки, первое и третье лицо в Manual for a Desperate Crossing ( Balseros/Rafters ) (1997) воспроизводит приливную турбулентность истории, в которой рассказывается о десятках тысяч кубинцев, покидающих свои дома на лодках в 1994 году. Или о постоянном терроре «Поведение жизни». (1985), в котором Летисия, жена палача репрессивного режима, ищет образования и узнает из книги, что влияние войны «ощущается главным образом в экономической сфере», даже когда мы видим жестокое преследование в ее собственном доме. . Или из двух мужчин в Грязь (1983) кричат ​​и блеют, когда они зовут Мэй, женщину, которую оба любят, поскольку она отчаянно ищет выход из жизни, которую считает просто животной. И более.

Но, пожалуй, самым укрепляющим ощущением марафона — наряду с симпозиумами в Принстонском и Нью-Йоркском университетах прошлой весной и некоторыми недавними постановками — было ощущение того, что новое поколение берет на себя заботу и дело работы Форнеса. Что работа обретет новую жизнь, в которой она — и мы — нуждаемся.

В гостях у сестры в Майами после поездки на Кубу, изображенной на The Rest I Make Up , драматург отвергает предложение своего врача переехать туда, а не жить одной. Это достаточно приятное место, говорит Форнес, «притворяющееся городом, таким организованным… декоративным», но «если я живу в месте, где нет театрального сообщества, я просто хороший человек, живущий здесь». Драматурги должны видеть, как их работа производится. В противном случае «это как готовить еду, когда некого есть», — объясняет она. «Пьеса на бумаге совершенно незавершенна». Она смеется над ее фразой: «Совершенно неполная! Звучит необычно». На тот момент она не писала уже пять лет, она поражена, узнав. Но она не ошиблась в необходимости сообщества.

В течение последних пяти с половиной лет, благодаря вмешательству таких друзей, как Мемран, журналиста по искусству Рэнди Дженера и агента Форнес Морган Дженнесс, Форнес жила в пределах досягаемости своего сообщества, в Амстердамском доме престарелых на Манхэттене, где черно-белые фотографии ее пьес украшали стены, благословляя ее, как открытка Святого Иуды, приклеенная скотчем над ее кроватью. Некоторые из ее многочисленных наград также висели на стенах вместе со снимками друзей и фотографиями Форнес в разные периоды ее жизни, ее черные глаза всегда сияли, ее щербатая улыбка всегда кокетничала.

Несмотря на то, что ее способности пришли в упадок, было что-то странно воодушевляющее в том, чтобы проводить с ней время, хотя это и было грустно. Работы Форнеса всегда вызывали обостренное ощущение театрального настоящего, осознание того, что он добровольно подвешен в пространстве за пределами земного времени. Партнер Форнес в 1960-х — «любовь всей моей жизни», — говорит она, заливаясь слезами в серии «Остальное, что я придумываю» — , научила нас не превращать болезнь в метафору. Но, несмотря на предостережение Зонтаг, я не могу избавиться от ощущения, что посещение ее было уроком присутствия. Прошлое и будущее не существовало для Форнес, по крайней мере, насколько она могла сообщить нам. Момент — скорее интуитивный, чем познавательный — был всем.

В конце 1980-х мне посчастливилось в течение нескольких месяцев участвовать в знаменитой драматургической мастерской Форнеса в Центре латиноамериканского искусства Интар. Трехчасовые сеансы начинались примерно с 20-минутной растяжки и дыхательных упражнений, прежде чем мы уселись вокруг большого стола, сделали небольшое дыхание дзен, а затем пару часов писали молча, за исключением царапанья ручкой по бумаге. и случайная подсказка от Форнеса: случайная строка диалога, объект, место. Физические упражнения имели значение не только потому, что освобождали наши умы, но и потому, что она считала писательство плотским занятием.